森爸的街頭攝影誌


此篇文章刊登於 SNAPPP 照玩雜誌 五月號:那些臺北街頭教我的事。請大家多多支持 SNAPPP。

有了小孩之後每天奢求的就是能背著相機在熟悉又陌生的臺北街頭晃晃拍拍照。東區,西門町,五分埔,台北車站,信義計劃區,萬華,迪化街…都是我很喜歡去的地方。街頭攝影是個入門簡單掌控卻要花一輩子的藝術。我能做的就是不停地走,不停地看,不停地拍,沒有公式,沒有教科書,更沒有標準的成績單。進步不會有明顯的感覺,但若有意識的去感受拍攝過程,會發現每個瞬間的捕捉,每個腳步的移動,每個快門的掌握,每個互動的拿捏變得很自然,就像運動員的肌肉記憶。在臺北街頭背著相機遊蕩少說也有幾年,半路踏上臺北,從陌生到習慣,再從觀景窗從熟悉刻意的變得陌生。一個國外出生但在臺北住了大半輩子的半吊子臺北人,透過觀景窗在臺北街頭學會了一些事兒。

 

活在當下

下面兩句是我在臺北街頭攝影學到最重要的事。

你能改變已經發生的事嗎?不行,那你擔心個屁?

你能改變還沒發生的事嗎?不行,那你擔心個屁?

街頭攝影沒有想當初,也沒有之後如何,「決定性瞬間」 就是現在。過去常在街上錯過某個非常難得的精彩畫面,接下來幾個小時甚至好幾天都會呈現一種懊惱到睡不著的狀態。真的別這樣,請專注於眼前可以掌握的環境,瞬間,氛圍,忘掉過去,期待未來,把握現在。感覺很像在勵志,不過真的是這樣。

 

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別顧此失彼

通常在臺北街頭拍照時眼睛會像雷達一樣不斷掃視,期待看見一些平常忽略的細節。有時運氣好看到很棒的畫面,興奮地按下快門後興沖沖的回去看照片,發現整個背景亂七八糟,照片根本不能用。臺北市是個很豐富,或說很雜亂的地方,照片裡很容易出現錯亂的招牌,亂停的機車,不太有型的路人。往往會因為太專注於某個細節而忘了注意背景。細節跟大方向一樣重要。

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試試不同角度看事情

街頭攝影迷人的地方在於你需要用“異於常人”的角度去觀看理所當然的事物。剛開始拍照的時候常常會被明顯的東西吸引,穿著有型的陌生人,很酷的招牌,街頭的塗鴉,但那些東西不管誰去拍都會有差不多的結果。試著用不同的角度去看一些理所當然的事物。

 

失敗為成功之母

這句小學教科書裡出現的國父座右銘,絕對適用於任何狀況。布列松說過“你前一萬張的照片都是垃圾。”但第一萬張絕對會比第五千八百六十七張來得好,觀察力也許多少靠點天份,但沒有所謂的街頭攝影天才,絕對是需要長時間的拍攝才能累積成功的機率,連資深的街頭攝影師都說他一年拍上幾千張,能挑出十張就很好了。說到這個我現在回頭看看自己多年前拍的照片都會囧到冒冷汗,真不知道當初在拍些什麼…
陰影背後陽光

有光就能攝影。我喜歡臺北市的原因之一是光線。我們常常會抱怨台北市的建築都很醜,但透過參差不齊的建築間射下光線,往往是攝影師們求之不得的光源。如果少了那些醜陋不協調的建築,就不會有機會看到那麼豐富的光源。如果沒有陰暗的角落,就無法凸顯陽光的美好,攝影是多麼勵志的藝術啊…

 

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等待是值得的

現在什麼都講求快,過去拍底片的時候你必須要等上好一陣子才能看見照片,現在數位相機拍完馬上就能透過液晶螢幕看照片。甚至有些消費型數位相機連後置都不用,拍攝之前就能選好濾鏡直接看到你拍出來的效果。很多朋友在街頭攝影時也習慣拍完馬上急著低頭看,通常會建議大家不要這樣做,按下快門後忍住別低頭,繼續觀察,我知道拍完立刻低頭看照片這動作會上癮…忍住不看真的很癢,但這樣會錯過很多畫面。拍完不要急著走,等在某個地點一陣子,同樣的場景,在不同的時間會有完全不同的樣貌。這一刻看似無聊的街角下一秒也許完全不一樣。
膽量

曾經有位朋友跟我說街頭攝影是需要訓練的,我以為他說的是反應技巧跟觀察的經驗,但他說“我實在沒勇氣對著人拍。” 我回他你可以先試試對著動物拍。對著人拍的確需要膽量,要冒著被幹譙或被扁的風險,但相信我,沒人會扁你,頂多會翻你白眼或追過來問你在幹嘛,這時候你保持微笑,誠實說明你在做什麼,告訴他你欣賞他的某一點,例如造型很酷,樣子很美,氛圍很棒,如果他要你刪掉照片,就刪。保持自信及禮貌。大多數的臺北人都很友善,有些甚至會刻意擺著讓你拍。還有,別以為對著動物練習拍就沒事,我有一次就被流浪狗追著跑了半條街…
Be true to yourself

Facebook,Instagram,Google+,Flickr,500px,網路上有太多分享作品的管道,分享之後就要有心理準備接受觀眾的褒貶。有些朋友在分享照片後會因為網友大量的 「讚」 而得意好久,也會因為某個批評低潮到無法自己。想想自己剛開始愛上拍照是因為別人的肯定?還是因為看到讓你心悸的畫面?”,自己有在寫一些專欄,基本上下面那些留言我都不太看,你無法讓所有人開心,Be true to yourself。

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記得幾個月前在誠品信義店地下室停好車準備坐電梯上樓時看到一張斗大的廣告,來自SNAPPP照玩雜誌。我好奇的寫了封email去,就這樣與SNAPPP結緣。去拜訪SNAPPP的辦公室,跟總編輯Ryan聊了一下,發現很投緣。姻緣際遇下開始每個月為SNAPPP雜誌撰寫專欄。在這之前已經看過很多本SNAPPP雜誌,市面上的攝影雜誌很多,有的很偏技巧器材,有的整個藝術到我真的看不懂。對我來說SNAPPP是屬於在概念上滿紮實的攝影生活雜誌,有點藝術的味道,卻也很接近街頭。我覺得資深攝影師看這本雜誌能讓腦袋活絡起來,攝影初學者看了也不會無法消化。取得編輯同意後,決定會將我在SNAPPP上前一期的文章分享在部落格上。SNAPPP是獨立發行的雜誌,這麼用心的攝影雜誌市面上已經快絕種了,請大家多多支持他們。

SNAPPP照玩雜誌官網:http://www.snappp.com/

臉書粉絲頁:https://www.facebook.com/dr.snappp

 

SNAPPP照玩雜誌 / 四月號 / 你的土地

A Piece of Taipei: Chapter One

臺北,一個熟悉又陌生的地方。我從小在韓國長大,記得每年寒暑假爸媽都會帶我來台北的爺爺奶奶家玩。我常拉著爺爺去巷口的甘仔店買零食,大年夜在河濱公園放鞭炮,去當年的來來跟佳佳戲院看賀歲片,臺北是我每年寒暑假的期待。從韓國高中畢業後來台灣念完大學後在美國住了幾年,又回到台灣,工作,成家,有了孩子。長大後的臺北印象變得不太一樣了。滿街的 7-11 取代了兒時記憶中的甘仔店,鞭炮與危險劃上等號,來來跟佳佳成了二輪戲院,車子變多了,空氣變差了,最寵我的爺爺也離開了。過去的臺北記憶,只能勉強拼湊。

A Piece of Taipei /  「一塊臺北」,是我長期的街頭攝影專案。從第一次看到布列松的作品開始,我就迷上了這個從平凡生活中看見精彩故事的攝影風格。在網路上看見很多街頭攝影師及作品,來自歐美,日韓,中國,香港,新加坡,但台灣的街頭攝影資訊少之又少。於是有了透過街頭攝影記錄臺北並分享的念頭。剛開始我在街頭找的是構圖,張力及故事。但拍著拍著想起布列松說過的話,“攝影是透過別人看見自己“。不禁在想,也許當我帶著相機走在臺北,潛意識裡尋找的是我對臺北的兒時記憶。

過去幾年一直試著向喜歡攝影的朋友解釋街頭攝影是什麼。Garry Winogrand 說街頭攝影只是單純的捕捉片刻真實,Joel Meyerwitz 的街頭作品充滿了對生命的熱忱。Elliot Erwitt 堅持街頭攝影就要黑白,Alex Webb 卻說為什麼要將生命給你的色彩拿掉。Bruce GIlden 直覺具攻擊性的拍攝方式,Bresson像舞者般在街頭優雅的穿梭,以及他近乎精準的瞬間掌握。街頭攝影之所以迷人是因無人能用一句話去詮釋它,就連馬格蘭通訊社的資深攝影師們都有各自不同的見解。街頭攝影是最容易入門,卻要花一輩子去體會的藝術。

街頭攝影只能意會,無法言傳。好比我對臺北的複雜感覺。臺北是個很「拼湊」的城市,都市裡見縫就蓋的大樓,柏油路上的補丁,新舊大樓的比鄰,商業區中的老街,巷弄,現代感的氛圍裡帶點兒懷舊的味道。

「一塊臺北」,請各位跟我一塊兒透過街頭攝影好好看看這塊土地,我的 A Piece of Taipei。

http://www.thisisethan.com/sp/

 

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這是一篇源自美國街頭攝影師Eric Kim部落格的文章,內容是他分享用底片街頭攝影的技巧及建議。下面除了原文翻譯之外在每一段後面我也加了一點自己用底片拍攝的心得。

1. 用底片拍攝寧願過曝也不要曝光不足。因為在底片比較容易顯示一些明亮處的細節(但在暗處的細節比較難以修復)。Eric 說在彩色底片稍微過曝也比較容易加強顏色的對比。

我的心得:之前用數位拍攝的測光都幾乎都很精準,我通常喜歡照片陰影處暗一點所以用數位相機拍攝時都會刻意降低曝光拍攝。但用底片機透過觀景窗只有向左跟向右的箭頭告訴我曝光是否正確。之前對底片還不是很了解因此拍攝時都會像用數位相機時一樣稍微降低曝光,但照片出來常常都是對比很虛或顏色不飽和。

 

2. 如果拍攝時要增感,記得在底片殼上用奇異比標起來。Eric 說他通常都會在將底片放進相機前先標明避免忘記。

我的心得:一定,一定,一定要標明,而且送洗時一定要跟照相館說。我曾經有一卷增感的黑白底片,我有跟照相館說但底片殼上沒有標明,他們可能忘記了。結果洗出來整卷三十幾張幾一片黑…

 

3. 如果你過去未曾拍過底片,或只是對拍攝底片好奇,不要急著買相Leica那種價錢偏高的底片相機。去買一個最便宜的底片機來體驗。如果你拍了幾個月後真的非常喜歡底片。到時候再考慮投資一部喜歡的底片機也不遲。

我的心得:買個便宜的底片機,或用借的也行。先試拍一陣子。我自己想拍攝底片已經好一陣子了,上網研究了很久,看了很多文章,正反面的評價都參考,才決定開始拍攝底片,買了一部二手Leica M6, 一堆底片,跟一個底片掃描器。拍底片有好有壞。對我來說拍攝的經驗不說,其中一個很過癮的部分是不用擔心電池充飽沒,記憶卡清了沒,拎起相機抓幾卷底片就可以出門。但拍底片很麻煩。每30幾張就要停下來換底片,拍完之後尤其麻煩,要送洗,掃描(我自己掃,因為希望在顏色上有完全的控制),前後過程可能要兩個禮拜才能看到照片。但拍底片的經驗跟手感真的不是數位相機能取代的。

 

4. 用400感光底片拍攝時有些不錯的設定:在光線非常好的天氣設定 F8, 1/1000 。光線還可以的天氣設定 F8, 1/500。在一天中的黃金時段(夏天時大約下午兩點半點到五點的晴天光線)設定 F8, 1/250。有些陰影時的設定 F8, 1/125。陰影較多的設定 F8, 1/60。

我的心得:我想這跟數位相機的設定沒差太多。雖然街頭攝影建議是儘量保持一個固定光圈快門設定,因為看到畫面時沒時間再去做調整。通常我最喜歡的設定是快門 1/250,但光圈會看狀況調整。台灣是個不太好拍的地方,因為有騎樓,光圈常常要做事實的調整。說真的不容易。需要長時間練習及經驗去判斷。

 

5. 不要覺得自己是在“浪費”底片而在每個喜歡的場景都只拍一張(數位相機通常應該會連發)。如果看到某個很棒的瞬間,多拍幾張,試試不同角度,設定。如果那個氛圍或場景真的值得,甚至可以用上整卷底片只拍一個場景。

我的心得:說真的,拍底片每按一次快門就是幾塊錢,這種燒錢的感覺太有感了。不過 Eric 曾經在一篇文章中計算過,他用Leica M9跟 5D MarkIII 以及Leica M6 跟一堆底片舉例(有興趣可以去找找)。整個換算下來其實底片還是比數位相機便宜。

 

6. 體驗底片相機時建議可以試試下面的方式:請一位朋友當模特兒,拍攝一連串同的場景跟姿勢的照片,但每一張都用不一樣的光圈,快門,然後每拍一張就記下自己當時的設定,像是快門,光圈,以及當時光線的狀況。當洗出照片時再與記錄下來的資料比對。這樣你比較能夠找出理想的設定,以及拍出你想要的樣子。

我的心得:我個建議不錯,我自己到還沒有這樣試過。

 

7. Eric 認為應該試著嘗試不同的底片。但一旦你找到還算滿意的底片,建議是就不要換了。這樣可以讓你保持一貫的作品風格。堅持一種底片久了也能讓你更了解一些細微的差異,像是增感,減感後的成果如何,白天,或晚上拍出來的感覺如何,對比跟顏色等等。

我的心得:我目前試用Kodak Portra 400跟Fuji X-tra 400(好事多就買得到,不過今天去發現貨整個變少非常多,是否是停賣的跡象??),Kodak Portra 400發色沒話說,是我彩色底片的首選。但一卷要250 – 260,不便宜,Fuji X-tra 400 的發色很接近Portra,有興趣的朋友可以試試看這兩卷。

 

8. 很多人擔心機場安檢X光會毀了底片。但事實上如果你用感光度400的底片,過機場安檢的X光完全不會有問題。但感光度800-1600的底片可能就會有問題。

我的心得:如果真的很擔心,有很多廠商出防X光的底片袋。或建議將底片隨身攜帶,過安檢X光時可以要求安檢人員手動檢查。

 

9. Eric 說他通常平均50卷底片只會有一張讓他非常驕傲。建議以這種標準當參考,你拍到超讚的街頭攝影作品的機率不會太高。

我的心得:請要非常嚴苛的挑選自己的照片,我還滿常提到這一點,拍攝時會因拍攝當下的情感連結將照片的美好過度放大。試著過很久一陣子將照片沖洗或弄出來看。抽離感情,嚴苛挑選自己的作品。這樣才對得起看照片的人,自己也會進步。但50卷1800張才有一張非常驕傲的照片我其實懷疑他有點誇張了。:-)

 

10. 不要覺得拍底片是在浪費錢。當作是一種投資。底片絕對能帶給你數位相機無法提供的經驗及樂趣。

我的心得:我只能說拍底片會上癮。

 

 

原文出處:Eric Kim Street Photography Blog

 

 

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沒想到我也會寫這類的比較文(或說開箱文?)。這篇不是推薦背包,純粹是自己試用後的一些心得。對國家地理頻道有興趣的朋友可以參考一下。

約五年前在紐約無意間逛到 B&H。那是個攝影器材控的天堂,會逛到忘我,走進去很難空著手出來。之前的背包用了六年,在B&H裡慢慢晃了一圈,看到國家地理頻道的相機包。本來就很喜歡國家地理頻道的相機包,但過去在台灣只看過大地色的,因為太顯眼所以沒考慮,在B&H裡看到Walkabout 系列的 5070,整個就腦波弱了,手滑扛著一個大袋子走出店裡,淘汰了之前的背包。轉眼5070陪了我五年,跟著我去過不少地方,很多邊角都磨破了。中間一直在找更適合的相機包。我很貪心,除了相機之外還需要很多其他功能,像是筆電,水壺,筆記本,耳機,充電器等等,而且背起來不能太重,東西拿起來要順手,防護性當然是基本,多少要能防點雨水,造型要低調中帶點型,而且要很耐用。傳統相機包太像相機包,時尚相機包功能性又無法滿足我的需求,所以一直都沒有買。

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最近發現台灣國家地理頻道的相機包越來越多地方在賣,款式也不少。一直在考慮要不要再買一個相同的5070來用,上網看了一陣子之後看到5070的改良版5071,但一直沒有下手,因為總覺得想試試別款相機包,前一陣子買了一個 Domke F2,也是龜了很久才決定,主要是在城市裡比較輕便的移動時會使用,但如果要帶筆電Domke就不行了。心裡一直念念不忘國家地理頻道的相機包。…今年太太送我了一個5071當父親節禮物。

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左側為新的5071, 右邊是陪了我五年的5070。5070的帆布顏色因著日曬雨淋有退掉一些,帆布的觸感變軟,質感變得更好了。兩個背包的造型有些不同,左側5071變得更低調,拿掉了顯眼的國家地理頻道LOGO鐵牌。但加強了防水性。

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舊款的5070上面有個很明顯的國家地理頻道LOGO鐵牌

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新款的5071拿掉了logo,但仔細看皮帶上印有National Geographic的字樣。

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側面的袋子沒變,可以用來夾腳架,但因為我都不用腳架所以都是放水壺跟底片。

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新的5071(左)背部的壓圖變成指南針一樣的圖案,並加上了方便掛載行李箱上的帶子。右側舊款的5070是國家地理頻道的LOGO壓圖。

新款的背包有一個神奇的地方是背起來比較輕。我的意思是將相機,筆電全部放進去的時候,跟舊款的5070比起來背起來感覺比較輕。有可能是背帶的斜度有座調整。厚度感覺也加強了。支撐性跟軟度都有加強。

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上側打開裡面的圖案也不一樣了。新的5071也少了國家地理頻道的LOGO,變成了地圖。

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新款開合的部分都改成魔鬼粘,舊款上方是按釦。

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背包上半部的空間。

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新款的上半部空間裡增加了一些筆袋跟小隔層。可以放電池或記憶卡之類的小東西。

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下半部方便拿取相機器材。裡面結構都沒變。舊款(右)5070中間那塊隔板被我弄丟了。新款的(左)內部的防護性材質有加強。一半尼龍另一半絨布。

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新款的置物袋前面多了一道防水層。

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新款的開起來稍微不方便,要開任何一邊的拉鏈要先將上面將兩邊拉鏈袋黏起來的魔鬼粘一起撕開(左,中)。不像舊款(右)可以單獨打開任何一邊。但新款的好處是防水性有加強。而且防竊性也加強了。出國時若有人要偷後面的東西比較有難度。

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新款的筆電是從背包上面塞進去,而舊款式從側面放筆電。舊款從側面放筆電有個缺點是拿取時會不小心掉出來。

 

整體來說新款的5071在功能性上比5070加強了一些,像是行李箱掛袋,防水隔層,筆電拿取的開口位置,也因著將國家地理頻道的LOGO拿掉,比舊款的造型低調了許多。從舊款的5070背了五年到現在的新款5071接下來應該也會背不少於五年。有人說專業的攝影師都會用側背包比較方便。但一來我不是專業攝影師所以我不用管那些說法,二來街頭攝影很少要開關背包拿東西。從頭到尾一機一鏡。對我來說側邊的兩個袋子,一個水壺,一邊底片,就很夠用了。背包裡放一個備用相機跟清潔工具。很少打開。前前後後找背包找了快兩年,還是回到國家地理頻道的相機背包。5071是中型背包,還有一款造型一模一樣但尺寸比較小的型號 – 5051。目前來說是我個人覺得最全面性的相機背包。

http://www.chengseng.com/ng-bags/products_collections.asp?collections=Walkabout

 

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最近看到一篇美國的韓裔街頭攝影師Eric Kim的文章 – 「What do you want out of Street Photography?」,你想透過街頭攝影得到什麼?

文章裡面提到有些人街頭攝影也許是因為街頭攝影很挑戰,很好玩。Eric 自己的目標是希望能將街頭攝影的知識分享出去,經營並發展攝影社群。他最後呼籲喜歡街頭攝影的朋友也想想這個問題。你想透過街頭攝影得到什麼?

這個問題的答案可以簡單如“因為我喜歡”,也可以深入到讓你想個好一陣子都沒答案。我自己一直在思考這問題有幾年的時間了,還沒有答案。不過在想這個問題的過程中確發現是什麼是讓我一直持續街頭攝影,並不厭其煩的寫一些有的沒的跟大家分享。

 

1. 街頭攝影讓我的腦袋休息

過去我總是在工作之後還是扒著電腦不放,看一些工作相關的書籍,或想些生活跟孩子們的事,基本上我的腦子沒有停過,久了甚至感覺有點彈性疲乏。街頭攝影讓我有機會從日常工作中暫時逃離。當我聽著音樂拿著相機走在路上,是我的直覺在運作,有時會感覺某潛力畫面在眼前,直覺會帶著我按下快門。Elloitt Erwitt 說過:「你可以在按快門之前思考,或在按完快門後思考,但按快門的當下你如果思考太多,絕對會錯過一堆畫面。」。因此我走在路上看似在思考要拍什麼,其實幾乎是在放空,跟著感覺走,你無法預測生命在什麼時候會丟給你什麼驚喜。就像在紐約街頭拍了五十年的資深攝影師 Joel Meyerowitz說:「我每天上街都是敞開心懷,隨時準備擁抱生命丟給我的驚喜。」街頭攝影對我來說某種程度上是種冥想,嗯,其實是放空。

 

2. 意外的驚喜

不知道各位有沒有思考過這點,當人眼透過觀景窗看出去的時候通常會聚焦在一個目標上,觀景窗內畫面其它部分是眼睛的餘光在看,按下快門的瞬間人眼會鎖在某個特定的小區域,但相機在捕捉畫面的時候是將整個環境抓下來。街頭攝影尤其特別有這種感覺,街頭所有事物都在快速變化,移動,沒人會停下來讓你取景。在拍攝時除非經驗老道,否則很容易會將注意力放在某個特定焦點上,按快門的時候自然也就會盯著那個目標。但相機會幫捕捉到我當下也許沒看到的細節,往往在在回去看照片的時候才發現那些驚喜。

 

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臺北 東區  / 2014

 

3. 享受等待

這裡的等待分兩種。第一種是等待「那個對的瞬間」。說到街頭攝影很多人會以為攝影師要不斷的走動快速拍攝,但很多時候我會守在一個有趣的光影下面,或是建築物,背景前面,等待某個有趣的人物經過剛好形成某個值得捕捉的畫面,有時一等就是十幾分鐘。街頭攝影並不是不斷走動,有時好的畫面是等來的。另一種等待是當我重新開始用底片拍攝之後體會到的。過去用數位相機,雖然大多時還是會先將記憶卡放個幾天,等當天情緒沈澱後再將裡面的照片弄出來看。當然也有很多時候是拍完當天就將照片迫不及待的拿出來看完後分享。通常當天拍完之後拍攝的情緒還未沈澱,很容易因為情感上的連結將照片的美好過度放大,但當你拍完之後沈澱幾天,甚至幾個月,再將照片拿出來看,對自己的作品會比較客觀,也比較能挑出真正的“好”照片。拍底片從拍完到沖片,掃描快要一個禮拜,慢的話大概要一個月以上,我已經習慣也學會享受等待的感覺。好作品就像好酒,值得沈澱,等待。

 

4. 學會放下得失心

我想很多喜歡分享照片的朋友都有過類似的經驗,就是很在意別人怎麼看你的作品。對我來說還有我寫的文章。本身不是攝影科班出身,剛開始接觸街頭攝影的時候我甚至買了一堆技術教學的書,像是如何拍出正確的曝光,快門設定,構圖方法,大師拍法,甚至如何拍攝去得獎等等之類的,試圖找一些答案及“最好的”方法。但拍了幾年,發現那些都是“技術”及“工具”,重要的是拍攝前後的想法,你想表達什麼,對自己拍攝的東西有沒有一套想法,在這個前提下別人的正面的批評可以參考,負面或像是看起來就是純找麻煩的留言就可以直接跳過。對我來說被批評的風險更大,因為我會寫一些文章分享,文章內容不可能符合所有人的觀念及角度,尤其在一些所謂受過“正規”攝影教育的人看來我也許根本就是在放屁。我現在還是會看網友們的留言,因為有些網友的建議很有建設性,或是一些留言問問題需要回答,但對負面的留言大多都一笑置之。畢竟世界上總是有一些自以為是的人,他們開心就好。

 

5. 懂得欣賞美的事物

我們拿著相機上街找尋拍攝的主題,細細慢慢地觀察周遭的一切,每個光影的變化,陌生人間的互動,一陣微風,有時運氣好捕捉到的精彩瞬間,生活中有很多細節被我們當作理所當然,街頭攝影的題材大多取自自己的生活周遭,常走的路,常看的景,常見的人,久了對一些熟悉的事物會變得麻木,但街頭攝影讓我提醒自己隨時保持好奇,從看似最無聊單純的事物中發掘它值得欣賞的一面。

 

 

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臺北 東區 / 2014

 

6. 當個異類

穿衣服不想撞衫,剪頭髮不想同個髮型,名牌包不想撞包,整形整鼻子的角度也要不同。我想沒有人喜歡跟別人一樣,街頭攝影需要用很不一樣的角度看理所當然的事物,如果街頭攝影師用普遍的角度去看所有事情,就沒什麼好拍的了,如果所有攝影師都用同一個角度去觀看同樣的事物,還是沒什麼好拍,街頭攝影的魅力在於沒有一個瞬間是完全一樣的,同一個攝影師也許可以在同一秒按下快門,但絕對無法在同一個角度。布列松可以從日常生活中看見近乎完美的幾何構圖,Elliot Erwitt總是能透過相機在周圍找到幽默的元素,Alex Webb可以將平凡的生活變得層次豐富,Bruce Gilden鏡頭下的路人個個看起來都充滿了特色,有時我必須要逼自己刻意用反常人邏輯的角度去詮釋看到的事物。雖然很多時候家人跟朋友看著我的照片然後說:「那個路人到底有什麼好拍的?你在拍什麼鬼?這張照片重點是什麼?」這…就像喜歡臭豆腐的人愛死那個臭臭的香味,討厭那個味道的人看到臭豆腐就像看到大便一樣…這到底是什麼詮釋,anyway…

 

7. 永遠有人讓我學習

外面有太多臥虎藏龍的街頭攝影師,有的街頭攝影師是設計師,有的是工地的搬運工,有的是教授,老師,清潔工,自來水抄表員,作家,上班族,每次上網看到一些新的街頭攝影作品都會很興奮,總是有人能用你完全沒想過的角度去詮釋一張作品。

 

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臺北 大稻埕 / 2014

 

8. 照片勝過千言萬語

一篇文章也許可以訴說一個具體的故事,畫面需要讀者去想像。一部影片可以用很直接的連續畫面交代一個故事。但攝影卻可以用一張照片就呈現一段故事, 一段攝影師以及觀看者共同完成的故事,這樣說是因為攝影師在拍攝時會有自己的觀點及情緒,而觀看者在看作品時也會帶著自己的情緒及經驗,這兩者碰撞在一起的時候照片不再只是表面上單純的畫面而已,每張作品透過不同人的主觀意識,都成了獨一無二的故事。

 

9. RangeFinder 的浪漫

市面上充斥著一堆相機種類的專有名詞,單反,無反,雙反,3/4系統,微單眼,類單眼,小DC。過去我是用單眼相機。現在主要用旁軸相機,也就是所謂的RF(RangeFinder)連動測距相機。就是看出去的畫面跟實際拍到的畫面會有一點落差,這類相機通常取景窗跟鏡頭不成一直線。因此看出去的畫面跟實際拍到的畫面會有些為偏差。比起單眼相機,旁軸相機少了反光鏡,體積較小,而且按下快門時少了反光鏡的轉動,穩定性較高。那這些鬼技術浪漫在哪裡?街頭攝影師一股腦兒浪漫的說法是,單眼相機在按下快門時,觀景窗瞬間會因為反光鏡反彈上來而變黑,而Range Finder相機在按下快門的當下,因為少了反光鏡,在那毫秒瞬間你可以清楚的看見你捕捉到了什麼,攝影師與「那個決定性的瞬間」是同時存在的。爛漫吧…也許有人會說這什麼鬼,那瞬間毫秒有沒有看到不重要啊,重點是拍到畫面就好。就說哥拍的不是照片,是浪漫。咳…

 

10. Be true to yourself

沒有最好,只有更好,這句話是我十幾年前聽到的,一直放在心裡,勝不驕,敗不餒,整個很勵志。街頭攝影沒有標準答案,剛開始街頭攝影的朋友一定會試著得到別人的肯定,甚至模仿所謂大師們的攝影風格。過去我也是一直試著揣摩不同資深街頭攝影們的風格,Alex Webb 的色彩層次,Joel Meyerowitz 的故事張力,Garry Winogrand 的直覺式判斷,布列松的謹慎幾何式構圖,Elliott Erwitt 的幽默詼諧,但到頭來這只是用別人的思考模式產出,剛開始可以當作練習,也可以聽聽別人的意見,但久了你必須要有自己的角度,知道自己在拍些什麼,為什麼覺得某張照片好。也許別人會針對你的某張作品做出批評,除了虛心接受外你要知道自己挑選的那張照片好在哪裡。街頭攝影最終不應該是為了取悅別人而拍攝,一來你無法取悅所有人,二來為了別人而拍終究有一天會疲乏。當你無法得到更多“讚”的時候,你會失去動力,別忘了當初要拍照的意義。Be true to yourself。最近看到一個廣告詞 – “如果喜歡,就熱情專注的做吧。”

以上是這兩天有感而發想到的幾點。前面說過我還沒有想清楚自己到底想透過街頭攝影得到什麼,但上面這些點給了我不斷走上街頭拍攝的動力。你想透過街頭攝影得到什麼呢?

 

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臺北 東區 / 2014

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上次拍底片大概是大學攝影課的時候。當時是拍黑白,學校系所裡有一間大暗房。當時在暗房裡唯一的想法是“好想趕快逃出去“,除了不喜歡昏暗的空間外,對沖洗的過程也可以說完全沒耐性,只想趕快看到拍到的東西。大學畢業的時候消費型數位相機慢慢在市場上出現,我花了快一台iPhone的錢買了一部300萬畫素的數位相機(現在樂高玩具相機都有300萬畫素),當時覺得攝影突然變得太棒了,可以毫無顧忌的拍一堆,之後再慢慢選照片就行了,而且馬上就能透過液晶螢幕看到結果,不喜歡就再拍。那時還沒有臉書,弄進電腦不是為了分享,只是單純覺得數位相機很方便,拍照變得好容易,不用買底片,不要挑底片,不用擔心底片過期,更不用跑照相館沖洗…

數位相機用了十幾年,小孩出生之後拍的數量更是誇張,我想有小孩的朋友應該能體會,小孩每個動作你都想拍下來,事後大概有20張是同一個動作。硬碟裡的照片已經多到失控了。在街頭攝影的時候也是,我已經很久都沒有低頭看液晶螢幕的習慣,因為怕低頭時會錯過很多畫面,拍完後若直覺覺得不好的話,會接著再拍幾張,就這樣,幾個小時下來通常也是幾十張或近百張照片。

一直都想再體驗拍底片的感覺,將老相機的握在手上的沈穩紮實感,沒有複雜的設定,精準的機械運作,清脆俐落的快門聲。但一直都沒有適合的契機,也沒有找到喜歡的二手相機。剛好前陣子同屬「現在攝影」的朋友賴億南邀約拍一卷底片試試,於是開始積極的花了點時間尋找適合的底片機。花了差不多兩週,買了一部順手的二手相機,跟店家買了一些底片,就開始了連續兩個週末的底片機體驗。從那時候開始我的數位相機就一直在沒拿出來了。下面是這段時間裡的一點心得。

 

少了複雜設定,更能專注畫面

自己在街頭拍攝用數位相機會看光線不斷調整ISO值,快門,光圈,甚至有時候還要適時的調整白平衡。但用底片機,底片的ISO值都是固定的(可以增感,但這篇不提這個)。能調整的只有快門跟光圈,在街頭一切都在移動,我的快門通常會設定在1/250確保有足夠的速度凝結正在移動的人物,這樣下來我只有光圈可以調整。少了複雜的設定,我可以完全專注於畫面上。最多是在騎樓裡外移動時作光圈的調整。

 

觀察更用心,讓每次快門都有它的價值

使用數位相機的時候我會花很多時間按快門,但用底片機我會花比較多時間去觀察。也許是因為拍底片每按一次快門的價值可以很清楚的計算,例如一卷120台幣 / 36張的底片,每按一次快門大約3.3塊,明明數位相機一次買下去的錢比較貴,但底片這種讓人很有感的快門價值會讓我對於按快門這件事變的更謹慎。過去看到某個有趣的人物或背景快門就按了,但現在看到目標後我會用最快的速度將前後景及周遭環境。底片機幫助我在觀察上變得更用心。讓我慢下來,並不是說拍攝的速度變慢,而是在心態上會放慢步調,我想讓每一次快門都有它的價值。

 

提高命中率

前面提到用數位相機一整天拍下來有時會拍上百張,有時挑照片時可能一張都沒有,如果有一到兩張很棒的就很滿意了。用底片機命中率會增加很多。很大的原因是不會像數位相機般毫不考慮的每個畫面都連拍好幾張。二來是一卷底片最多36張左右,瘋狂連拍馬上就要換底片,除非換底片的速度能跟Garry Winnogrand一樣快,否則絕對會因為換底片讓一堆畫面在眼前閃過。說到這個,題外話,Garry Winnogrand倒是很看得開,他說他在換底片的時候出現的畫面都不是好畫面。

 

我不愛整理照片

如標題,我不愛整理照片。看到硬碟裡一堆照片都會有種暈眩感。整理照片很花時間,可能有人會說整理照片也是一種過程,同意,但最近發現數位相機的方便有時會給我帶來喘不過氣的負擔,每一次的快門都是那麼理所當然。雖然底片機未來會有一堆負片或正片,但至少摸得到每張照片。有點像我現在看書還是喜歡紙本,我喜歡書的觸感跟味道。Kindle或iPad還是無法有“書”的感覺。看書對我來說不只是內容,手握著紙本的書以及聞著紙張的味道,是種fu。

 

底片機不用擔心記憶卡爛掉

記憶卡比較常見的狀況是有些相機會挑片。我出門拍攝都會多帶一兩片記憶卡。曾經遇過一次拍了整天下來記憶卡不知道為什麼,將所有照片全刪光…真的是欲哭無淚。只能用下一張會更好來讓自己好過點。

 

底片機不用擔心電池掛點

我偏好買原廠電池,價錢雖然貴,但品質以及續航力會比較好。出門時包包裡通常會放兩顆備用電池。有一次只帶了顆顆,相機裡的那顆沒電,拿出另一顆原本衝得飽飽的備用電池放進相機,卻顯示電池已用完。當天只能用手機拍。底片機唯一可能需要電池的地方是對焦時的提示燈,不過拍久了大概就會知道該用什麼樣的光圈快門。

 

沒有入塵問題

數位相機的感光元件最怕的就是入塵或刮傷,我的數位相機感光元件曾經不明出現一道刮痕,送修等了快三個月。有幾次到五分埔拍,剛好碰到店家再拜拜燒金紙,我沒有想太多也沒有護著相機,回來之後發現在F11, F16下的白背景一堆塵點。拍底片每一次快門都是重新開始,不用擔心入塵。底片有時會有一些雜陳或刮痕,但反而增加了點味道,而且每一格底片的雜陳跟刮痕都會在不同位置。如果是數位相機出現雜點每張照片都會是在同一個位置,我應乾會馬上把鏡頭拆下來焦慮煩躁的仔細檢查感光元件………

 

耐操

我帶著數位相機出門很怕碰撞或摔著,每次帶相機出門都小心翼翼的,但現在拍底片機直接丟進包包。甚至這兩天飄一點雨還是在外面拍。

 

過片桿與快門

每次拉動過片桿,可以感覺到底片紮實的換了一個格。加上底片機清脆俐落的快門聲。“喀”的一聲你可以紮實的感覺到幾眼前的景象烙印在一格底片上,而不是1001010010的數為檔。

 

底片獨特的味道

用數位相機拍攝後我一直在找底片成像的感覺。嘗試過很多濾鏡,效果組合,試著虛擬出底片拍攝出來的顆粒感跟色調,但一直無法重置底片的味道。現在重新拿起底片機拍攝後掃描,照片的成果不像數位相機般精準完美,底片的成像顆粒比較粗,不像數位相機那麼滑順犀利,但我就是喜歡那股底片的獨特味道,喜歡的人會特別喜歡。不喜歡的人應該會覺得莫名奇妙。

 

驚喜

現在在路上可以看到很多人拍完馬上低下頭看螢幕。底片機沒有這個困擾…應該說底片機沒這個機會給你看你剛剛拍到了什麼,對了就是對了,沒拍到那也只能認了。現在攝影的人已經習慣完全知道自己拍到了什麼,底片給我的那種不確定感讓我再按下快門之前會更謹慎。

 

有人說有了收音機之後報紙就會消失,並沒有。

有人說有了電視之後收音機就會消失,並沒有。

有人說有了網路之後其他媒體就會沒落,並沒有。

有人說有了數位相機之後底片機就會被淘汰。我很想說並沒有,但隨著數位相機的技術進步,底片被淘汰有可能是遲早的事,也許哪天底片完全停產了,哪天已經沒有人懂得沖片的技術了。我在家附近的照相館問老闆有沒有賣底片,老闆竟然用不可置信的眼神看著我說,我們現在已經沒有再進底片囉。

底片機缺點一堆,像是不方便,每36張就要換卷底片,底片若是曝光整卷完蛋,拍完還要送沖洗(黑白比較容易自己沖洗,彩色門檻較高),拍完看到成像到分享可能要一個禮拜,拍壞了沒得救,花錢(但比起來數位相機第一次砸下去的錢可以讓底片機拍個很多年),我算過,用Kodak Portra 400(一卷250台幣),跟買一台Leica M9 加鏡頭(大概三十萬台幣)比,假設一個月拍五卷,可以讓我拍20年。當然不可能全部用一卷250的底片去拍,還有其他比較經濟的底片,這樣拍下來就不止20年了,Leica M9可以活到20年嗎?可以,但可能原廠電池不出了,零件停產了,數為零件疲乏了,因為已經出到Leica M20所以原廠不支援古早M9了…

以上是純屬個人對底片的一些感覺,我會放棄數位嗎?不會。若是接案或拍攝比較商業的東西,還是會需要數位的方便性,可預測性,以及即時性。底片目前是以拍爽的心態在重新嘗試。喜歡拍底片的朋友們歡迎到森爸的街頭攝影多多分享一些心得啊~

大家沒事多出去拍啊~

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我先說這是篇牢騷文。平常在街上拍完照片後通常都會有一個“標題”在腦海裡。尤其在亞洲(對我來說是台灣跟韓國),看到很多分享照片的朋友會為照片下標題。標題的種類很多,紀實性的標題,平鋪直述照片裡的內容。有的標題也許是跟拍攝者某段記憶有關,又或許是社會現象的觀察,或心中某些不滿的抒發,或玩笑式的黑色幽默。有些人說照片拍下來就是拍攝者的,拍攝者可以隨意下標題,但也有些人堅持照片自己會說話,不用下標題去誤導觀看者的印象。

這沒有對或不對,下一個比較意境式的標題,攝影者想讓觀眾看到的是他的情緒,此時標題下不好,畫面張力就會相對變弱。例如拍一對情侶手牽手的背影,會有很多種標題可能,平鋪直述的標題會是「一對情侶」,而比較意境式的標題可能是「你會陪我一輩子嗎?」,或是「不要迷戀哥」…之類的。我個人對紀實性標題或意境式標題沒有什麼太多意見,我自己也會為照片下標題,心裏會想一些情境式的標題,但真正寫出來往往都是平鋪直述,依照畫面中的元素去找個明顯的標題。原因是我還是相信照片自己會講話,我喜歡觀看者依自己過去的經驗以及當下的情感狀態去詮釋他看到的照片,舉前面情侶的照片,正在談戀愛的人跟剛分手的人絕對會有不同的詮釋及情感反應。

但最近常看到一種標題是“負面或過於嘲諷的標題”。曾看過一張照片,一位老太太自己坐在公園長椅上,標題是“說好要陪我一輩子,你怎麼先走了一步?” 看到這標題其實我不太舒服,這標題很明顯在隱晦老太太的先生已經去世了。對觀看者來說,我們看到的是一位老太太自己坐在長椅上,也許在等人,也許在乘涼,我們不知道她的先生到底過世了沒,照片除了這個標題之外沒有其他解釋,不禁讓我在想,她的先生真的過世了嗎?拍攝者是老太太熟識的人嗎?若不是,拍攝者怎麼知道老太太的先生過世呢?如果老太太的先生沒有過世,那這位拍攝者下這種標題是否有不太好呢?如果被老太太本人看見這張照片的標題怎麼辦?心中開始浮起一堆問號。拍攝者也許經歷過親人過世,因而將自己內心反射在拍攝的照片上,但我認為這類標題並不恰當。

舉另一個例子,例如一位街頭攝影拍到一位街友,他的標題下著“可憐之人必有可恨之處。”,但你真的知道他的處境嗎?或拍到某位生意很好的路邊攤老闆正在稍作休息發呆,標題卻下著“明天在哪裡?”。類似這種拍下生活場景但標題卻過於主觀的下法非常不建議。攝影師當然可以為自己的照片下註解,不管是紀實性的標題,幽默的標題,帶點詩意的標題…但不應該在不了解被拍攝者的狀況下為他們當下的處境下一些自以為是卻有可能冒犯到被拍攝者的標題。如果你真的不知道怎麼為自己的照片下標題,那就讓照片自己說話吧。

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忘了在哪兒聽過一個詞 – Signature Shot。是說某張照片一看就知道是某位攝影師的風格。在街頭攝影中有幾位攝影師的風格算滿明顯的。舉幾位我很喜歡的街頭攝影師。之所以稱他們為街頭攝影師,是因為這幾位資深馬格蘭攝影師都曾說過他們骨子裡都是個Street Photographer。

 

Bruce Gilden

馬格蘭的資深攝影師,他的風格是手持閃光燈對著他要拍攝的對象直接超近距離閃過去拍攝。這邊說的超近距離是真的近到被他拍攝的對象會以為Bruce Gilden在拍他們後面的東西。他的作品很好認,通常是臉部特寫,光線看得出來是用閃光燈,被拍攝的對象因著閃光燈的照射從環境中被隔離開來。很多人他為街頭攝影的流氓。也不是所有人都苟同他的攝影風格。

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(圖片來源:magnumphoto.com

 

Henri-Cartier-Bresson

布列松,這位不用多介紹,相信喜歡攝影的朋友都認識他。布列松的照片除了因為在教科書出現太多次而變得熟悉之外,通常他的作品都會有近乎苛求的幾何構圖。也許很多人說照片都是可以事後把所謂的構圖“掰上去”,在大師的照片上面畫幾條線然後說構圖如何好如何好,姑且不管這是否是這樣,在一些布列松的影片或書籍中他的確有提到,他對構圖的要求非常精準。也許是因為布列松是學繪畫的,對於構圖的要求及掌握變得更加謹慎。

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(圖片來源:magnumphoto.com

 

Elliott Erwitt

我最喜歡的攝影師之一,他的照片特色是充滿了幽默的元素,看到他的照片時常常會會心一笑。而且他的照片中最常出現的物件是「狗」。他本人沈默但幽默,不太會說好話,也不會掰很多似是而非的攝影哲學。而且他堅持攝影應該就是拍黑白。所以他個人作品裡不會有彩色照片出現。你常會在他口中聽到一些讓你自己覺得自己想太多了的答案。例如有人曾經問他,你認為什麼是好照片?他說:「照片好不好你看了就知道。」

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(圖片來源:magnumphoto.com

 

Martin Parr

Martin Parr 是位比較具爭議的攝影師,他自己曾說馬格蘭有一半的成員因為他特別的風格而希望他加入,但另一半卻極力不讓他加入馬格蘭。他很多作品看起來都平凡的匪夷所思,感覺就像是生活中的隨拍,但又有種風雨前寧靜的壓抑爆發力。他的作品對我來說達到了見山不是山見水不是水的最高境界,接著又回到了見山是山見水是水…高啊…

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(圖片來源:magnumphoto.com

 

Alex Webb

接下來這位是目前我最想好好研究的攝影師。 Alex Webb的作品風格是豐富的層次,不止在對比或顏色上的層次,而是在畫面的構成上也有著豐富的層次,從遠到近,從深到淺,感覺像是用photoshop把所有物件完美的拼湊上去。Alex Webb可以在最短的時間內掌握到近乎飽和的畫面結構。在看他的作品時常常會目不暇給。每張都可以看很久。

Havana, Cuba, 2000

 

(圖片來源:magnumphoto.com

接觸攝影一陣子每個人都會想拍出所謂自己的「風格」。有些攝影師擅長運用光影,有些人專注人物,有的攝影師講究構圖,有些人只用閃光燈。有些攝影師意識到風格這件事的時候會開始刻意拍一些特定的主題,或將照片後製成某種特定的色調(後置時間越少越好)。也有一些攝影師拍著拍著回頭看發現自己拍攝的所有作品都傳遞出一貫的氛圍。有自己的「風格」是好事,但有時也會成為限制。如果你正在試著找到自己的攝影風格,以下幾個方法也許可以試試。

 

問問你自己對什麼感興趣?

你對什麼真的感興趣?而不是你想讓「別人」看見什麼。你喜歡拍人物嗎?那就專注於人物的拍攝一陣子。你喜歡光影嗎?就算沒帶相機也是著觀察每天的光影變化。找到你真正感興趣的拍攝主題,花一段時間嘗試拍攝,然後看看自己是否真的適合,也許你試了一陣子之後發現其實你更喜歡另一種主題。

 

抄襲?或模仿?

前陣子跟一位街頭攝影同好聊天,他說台灣出現一堆「偽森山」。剛聽到這個詞的時候覺得很有趣,其實我自己也在模仿一些大師的作品,像是布列松(雖然差遠了),Alex Webb,Elliot Erwitt, 都是我想模仿的對象,但並不是一昧的看表面的作品後就拍出類似的東西,而是去深入了解他們是如何取景,為什麼他們覺得某一張作品是好的,為什麼他們會分享特定的照片,有一本書叫做Magnum Contact Sheet,這本書非常難得,因為你可以看見所有大師們的負片,以及他們選片的邏輯。這本書不便宜,而且非常重,難得的原因是通常所謂大師級的攝影師不會分享他們的contact sheet,只會分享精挑細選的一張作品。透過此書你可以看到資深攝影師們的思考邏輯以及拍攝的技巧。不要抄襲表面看到的,而是去了解你喜歡的攝影風格背後的原因,所有原創都是從模仿開始,我相信天底下沒有所謂的“原創”。

 

風格成型不是一兩天的事

風格需要長時間的累積,現在網路很方便,花點時間分享照片,讓別人看見你的作品,接收正面的批評,那些筆戰或酸民的發言請自行忽略。我有注意臉書街頭攝影社團一些朋友已經發展出自己的攝影風格,很多時候我沒看到發表人,但只看到作品就大概知道是哪位網友拍的。

 

不要讓風格成為限制

前面說過有風格讓別人記住是好事,但不要讓風格成為限制,鼓勵大家多嘗試,當累積到一定的經驗及作品的時候,會發現你不用刻意去尋找或構成,作品就能自成一格。

 

拍攝時的思考時機

我很喜歡Elliot Errwitt說過的一句話,他說他會在攝影之前思考,也會在攝影之後思考,但拍攝的當下他的腦袋是空白的。是說他在看到有感覺的畫面,按下快門的瞬間是不思考的。我自己常常會陷入看到某個畫面,腦中閃過“這不是我想要的畫面”,或“這不是我喜歡拍攝的風格”,而讓畫面錯過,一旦你在按快門時不斷思考,下一個有潛力的好作品可能就會從你眼中錯過。

 

只要願意多花點時間拍攝,風格是自然成形的,但中國武術好像有句話說:「沒有招式就是最好的招式」。當你融會貫通攝影的意義,你不用刻意去營造某種風格,風格會自動找上你。

 

02

by 森爸

 

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這次有機會參加廣穎電通舉辦的「一週時光攝影比賽」評審。第一次參加這種需要從眾多參加者中挑出作品的活動。除了能欣賞到大家的攝影作品之外,與另外兩位評審林盟山以及馬賽交流中也學到了不少。下面是幾個評選照片的過程中我自己學到幾個值得思考的點。

 

系列作品

這次徵稿是以「一週時光」為主題,每人可以上傳七張照片。看到很多網友的作品單張看都很精彩,但當七張攤開來看的時候很多系列作品中看見斷層。例如看到一系列的作品前面六張都是“老人的日常生活”,畫面中都是以特寫老人,但到最後一張卻出現一個年輕人以廣角的構圖呈現,看到這個系列的時候感覺收尾有點偏掉,很可惜。如果是系列作品,最好都能有一個主軸貫穿整個故事,也許是人物,光影,視角,色彩,氛圍。

 

風格及色調

有幾位網有的系列作品作品中有些是彩色,有些卻是黑白,除非在系列作品中色彩是貫穿故事的主軸,利用黑白或色彩明顯的敘述整個故事的起承轉合,否則只是為了畫面好看而穿插使用彩色或黑白,會讓系列作品風格變得不一致。

 

構圖

其中看到一系列很特別的作品,全部都適用鳥瞰視角去拍攝,雖然畫面中沒有特別突出的主題,但不同的視角構圖卻成了這個系列的特色。有時我們會過度琢磨於主題,反而忘了像是視角以及構圖的思考。

 

故事性

故事是照片的靈魂,攝影者大多數的時候沒有機會直接對觀眾說明他們的作品,這部分比較難拿捏,看照片的人會用很主觀的意識去觀看作品,因此主題的貫穿及風格的一致性就更加重要了。

 

以上一點點心得。攝影比賽形形色色,有些人為了贏得比賽不擇手段,有些人比賽是為了挑戰自我,有些人則是志在參加交流。

最後,把上面這些東西都忘了,單純的享受攝影的樂趣。別忘了開始攝影的初衷,應該不是為了贏比賽吧?:-)

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看到一篇很有趣的文章,叫做”如何分辨業餘者“。原文文章內容寫的很諷刺,我想我們都曾經歷過那個階段。不知道作者到底在氣憤什麼哈哈。:-)

後背包

專業攝影師不會用後背包,因為機動性太差,無法及時更換鏡頭或拿取需要的工具。後背包是要裝那些你到了露營區才會拿出來的東西,像是柴火或煮飯的東西…後背包不是用來裝你在路上拍照時隨時會需要用到的東西,例如相機跟鏡頭。背包製造商會生產一堆花俏的後背包給那些剛踏進攝影世界的業餘者們,別上當了!我曾經聽過有攝影師在拍攝活動時攜帶了一個拖拉式的相機包。現場的專業攝影師們看了都笑到閃尿。

帶太多鬼東西在身上

專業攝影師非常清楚他們需要什麼,絕對不會多帶。擁有所有相機器材沒什麼問題,但就像沒經驗的旅者,帶一些他們覺得他們“可能會需要”的東西在身上。“可能需要”沒有強烈到你必須要將所有鬼東西帶在身上。拜託帶你必須要用到的器材就好。最多不要帶超過三個鏡頭(能只帶一個最好),帶在身上的鏡頭之間焦距避免重複,例如24 – 70mm 跟 24-105mm就有一大段是重複的。

業餘者很明顯的搭配是Canon 5DII 或 1DIII,配上  14mm L II, 16-35mm f/2.8 L II, 24/1.4L II, 35/1.5 L, 50/1.2 L 等等等等,這類的業餘者會帶上五顆鏡頭,而專業的攝影師可能只帶了一顆,也許是 16-35 L II。為什麼會說帶那麼多鏡頭很呆是因為那些鏡頭你一輩子可能只會用上一次,而且一些定焦鏡跟變焦鏡有很多重複的焦段。

在Nikon系統,初學者一樣,D700, 搭配 14-24mm, 24-70mm, 70-200mm VR, 24 PC-E, 28/1.4, 50/1.4, 85/1.4, 105 VR Micro, 135/2 DC 加上鬼知道還有哪些鏡頭。而專業攝影師也許只帶 14-24mm(或17-35/2.8)或一顆望遠變焦鏡,就醬。如果光線較暗,專業攝影師會加上一顆 50/1.4 或 28/1.4 或 85/1.4,就醬。

用偏光鏡多過UV鏡

或反過來,兩種狀況都很呆。用偏光鏡多餘UV鏡反正就是很不優雅。在沒必要的時候偏光鏡,廣角拍攝時你會得到一堆暗角,還有一些鬼光。濾鏡只是機械上的預防機制,在今日的光學技術上不會起太的作用。只有在必要時才使用偏光鏡。不需要時裝上偏光鏡會降低你兩級的曝光,意思是你需要更大的光圈,快門速度會變慢,或高ISO,若換上UV鏡會好很多。我是個很懶的人,除非必要我不會使用偏光鏡,通常只裝著UV鏡。這也是為什麼我堅持在帶鏡頭時儘量攜帶口徑一樣的鏡頭。這樣你只需要帶一套濾鏡。

中距變焦鏡

我不認識任何一位專業攝影師擁有或使用中距離變焦鏡。專業攝影師只用廣角鏡,或遠距鏡。在專業攝影師的包包裡也許會有一顆定焦恆定光圈鏡頭,因為在低光源狀況下會很好用。拜託別再帶中距離變焦鏡了。專業攝影師知道他們不需要廣角鏡頭跟望遠鏡頭中間的那些尷尬的焦段,如果以的焦段卡住了,請用你的腳,往前或往後走幾步。剛開始攝影的人通常希望把所有可能的焦段全部都涵蓋掉最好,深怕漏掉了某個mm。通常我在拍攝時只會帶幾個定焦鏡。20mm,40mm 以及 85mm。

相機掛在脖子上

如果你將相機掛在脖子上,看起來會像是觀光客。你的反應速度會不夠快,而且有可能會傷了你的脖子。如果你不想一直用手握著相機,試著側背你的相機,這樣如果你要在地上打滾拍攝特殊角度,直接用手肘夾著相機就行了。

始終如新的器材

專業攝影師因為太長使用他們的器材,通常相機看起來都像是被蹂躪過。例如這台相機。這位攝影師用這台破爛的相機賺錢過活。分辨一個業餘者最明顯不過的方法就是看看他們的器材,永遠都像是“新”的。通常他們八九不離十也都是“新”手。

最新的數位單眼

大家都會上網,而且每個人都認為他們需要最新的數位單眼相機。每個新手都會購買最新的數為單眼相機,那沒什麼問題。專業攝影師通常不會在乎器材新舊。而且通常工作之餘都很喜歡用很老的底片機(假文青不算在內)。現在外面還是有一堆專業攝影師用像是 Canon 10D 跟 Nikon D70 之類的老相機賺錢生活。專業攝影師之所以是專業攝影師,是因為他們用器材去換取價值,而不是買更多的器材。

鏡頭蓋

專業攝影師拍攝的速度快到來不及使用鏡頭蓋。通常專業攝影師會用濾鏡取代鏡頭蓋,而且直接不蓋鏡頭蓋丟進相機包。蓋上鏡頭蓋要花太多時間,這中間你會錯過不少好畫面。

大白天用腳架

在攝影問世的第一段時間,約 1850 – 1950 年,ISO32已經很高了,彩色底片的ISO更低,只有ISO10。就算大太陽底下你都要長時間曝光才能拍照。當年你需要腳架對焦,不然什麼都拍不到。

在大白天的光圈快門大約 F/4, 1/125 就差不多了。如果想要景深又用望遠鏡頭,你大概就需要腳架。但現在的數位相機,就算晚上拍都不太需要腳架。大白天的用最新的數為單眼相機還要假腳架他腦袋大概有問題。

用LCD螢幕放大看照片

真的,數位相機的LCD螢幕解析度沒有好到可以讓你放大看細節。在LCD放大真的沒什麼好看的。別看了!

惱人的嗶嗶聲

只有小丑會打開相機自動對焦時發出的嗶嗶聲。有誰想不斷用對焦的嗶嗶聲打擾到人家?

相機背帶上的LOGO

誰想免費當相機品牌做廣告?更糟的是你可能會引起那些想搶你相機的人的注目。

反裝遮光罩

如果你要用遮光罩,請將遮光罩轉成拍攝模式。如果你沒辦法好好待著它,或沒有在用,就把它放在家裡。不要把遮光罩反過來套在鏡頭上。這樣你真的需要的時候要浪費一些時間把它轉正。我看過太多人把著光照反著裝在鏡頭上,那只會阻礙你控制鏡頭的方便性!一點都沒有遮光效果!如果你不會在安裝遮光罩的狀況下拍攝,把遮光罩丟了!

高ISO,腳架跟大光圈鏡頭的關係

如果你有腳架,你就不需要大光圈鏡頭,也不需要高ISO。

如果你又大光圈鏡頭,你就不需要腳架,也不需要高ISO。

如果你又高ISO,你就不需要腳架,也不需要大光圈鏡頭。

我實在是不懂為什麼有些人會盲目追求高ISO,然後買到高ISO的相機再把相機架在腳架上,還有在相機上裝一個超大光圈的定焦鏡頭。上述三種任何一種組合都可以在低光源的狀況下拍攝,任何兩項都能在月光下拍攝。

原文出處(Kenrockwell)by the way,這個網站的作者非常用心,每篇相機及鏡頭的評比分析都寫的非常詳細。

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六個”不要”街頭攝影的理由:

 

1. 你的照片沒有太多人按”讚”

街頭攝影這東西在社群網站(臉書)上不太討喜,小貓小狗跟小花兒比較能得到多一點的”讚“。

2. 沒人買你的照片

人們通常不太會買街頭攝影作品,除非是某個知名攝影師拍的。

©Valérie Jardin

©Valérie Jardin

3. 靠街頭攝影無法發財

沒人會付錢讓你走上一天並拍攝一堆陌生人的照片。沒什麼好說的。

4. 膽子小的人不太能街頭攝影

其實拍攝陌生人或詢問陌生人是否能幫他們拍照不是所有人都做得到。尤其對膽子不夠大的人來說很挑戰。你通常會被拒絕,有些陌生人甚至會因此人生氣或恐嚇你。

©Valérie Jardin

©Valérie Jardin

5. 街頭攝影會走到鐵腿,而且需要耐性

你有時會走上一天連一張喜歡的都沒拍到。為了捕捉你要的故事,拍到理想的構圖,你有時會要走上一整天。你要學著接受一天可能只能拍到一張照片的事實。如果真的拍得到的話。

6. 教科書上的完美技巧在街頭攝影中都不成立

在變化速度很快的街頭上捕捉畫面你通常只有一次快門的機會,因為同一個瞬間絕不會發生第二次。很多你滿意的照片可能會是模糊的,或有很多雜訊。但那些沒有準焦,曝光不足或過曝但卻有故事性的照片,跟那些技巧層面很完美的漂亮空洞照片比較,有故事性的照片通常會勝出。

You only get one shot! ©Valérie Jardin

©Valérie Jardin

 

六個“要”街頭攝影的理由

1. 你會是很酷的一群

那群真心喜歡街頭攝影的人才懂得欣賞你的作品。比那些隨便點點隨便看看的“讚”有意義多了。街頭攝影社群很棒,這群人拍街頭攝影是因為他們真的喜歡,而不是為了在社群網路上得到更多的”讚“。

©Valérie Jardin

©Valérie Jardin

2. 你記錄身邊的生活

街頭攝影在藝術界並不是最熱門的銷售項目。身為街頭攝影師,你要將層次拉高一點。你在當代所捕捉的畫面對未來的世代將會有很大的意義。看看五十年前街頭攝影師們所留下的作品,我們能從他們的作品中學到那個年代的不少東西。你不會知道什麼時候會有人看上你的作品而購買。如果有人喜歡你的作品,偶爾可以賣幾張,但別想藉著賣街頭攝影作品發財。

 

3. 街頭攝影是為了自己

不會有人因為你背著相機走上一天而付錢給你,但往好處想,你不用為了客戶的需求妥協!賺錢有很多方法,但街頭攝影一定要為了自己。

©Valérie Jardin

技巧完美並不是街頭攝影中最重要的。
©Valérie Jardin

 

4. 街頭攝影會上癮

街頭攝影的拍攝方式一直都令人怯步。但那種在街頭拍攝時膽顫心驚的感覺,就像是野生動物攝影師走進叢林,拍攝到一張完美狼群照片一樣的刺激。街頭攝影扣人心弦,令人振奮,而且讓人上癮。

 

5. 多走路有益無害

街頭攝影讓你對自己周圍的世界充滿感謝。你在任何地方都再也不會覺得無聊。買雙好鞋,出去吧!光走路很無聊,邊走邊攝影有趣多了。

Valerie Jardin Photography -Melbourne-2

©Valérie Jardin

 

6. 你不會浪費太多時間去後製

街頭攝影作品不在意雜訊,反而能適時的運用雜訊。紀實攝影不要求嘩眾取巧的後製。很快地調整曝光,偶爾的裁圖,如果你喜歡也可以將彩色轉為黑白,就這樣。頂多會花點時間在上述的幾項。你捕捉的是那些絕對不會再重複發生的片刻時間,那個片刻不會太完美。你必須要非常了解自己的器材,並隨時準備捕捉完美的瞬間。街頭本身並不完美!但再厲害的Photoshop也無法將一張不完美的照片變成一個很棒的故事。適當的練習能讓你隨時準備好,而且不引起周圍的注意。那些故事,光線,以及構圖全都到位的難得瞬間,就是讓街頭攝影師們一再地帶著相機上街頭的動力。

街頭攝影在任何地方都能拍攝。只要有人。不管你在哪裡。街頭攝影最重要的原則是對人事物保持“尊敬”。你偶爾會交到一些新朋友,那是件很棒的事。最後我想留下我覺得是道盡街頭攝影精華的一句話。

“買雙適合走路的好鞋,好好談場戀愛吧。” – Abbas

Those rare moments, when the story, the light and the composition all come together, are what keep us roaming those streets tirelessly with our camera. ©Valérie Jardin

©Valérie Jardin

原文出處:Digital-photo-school

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布列松無疑是最具影響力的攝影師之一。下面是 29 句來自他的經典語錄。

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(圖片來源:http://fastcompany.net/)

“照片是透過相機創造出來只是個錯覺,其實照片是被心,眼,以及攝影師的思想所創造出來的。”

“攝影是將,心,眼,以及思想保持一致。”

“你所拍攝前一萬張作品都是垃圾。”

“畫面無法被強求,畫面會自己呈現在你眼前。是畫面找上你,而不是你去找到畫面。”

“在所有的表達形式中,唯有攝影是能精準凝結某個瞬間的媒介。”

“一張照片的好壞取決於那個「瞬間」。”

“一個幾毫秒的創意,加上稍縱即逝的完美光線,一切都那麼短暫剛好的讓你將獵物框近觀景窗裡。”

“對我而言,攝影是不斷發覺的過程,發覺那幾毫秒內發生的精彩瞬間。”

“攝影對我而言是種不間斷的衝動,一種透過眼睛捕捉永恆瞬間的衝動。”

“你的眼睛必須接受生命給你的構圖,並且用直覺去判斷什麼時候該按下快門。”

“對我來說相機就像是素描本,一種具自發性及直覺性的工具。”

“總之,我渴望透過一張畫面捕捉所有展現在我眼前那瞬間的精華。”

“回憶很重要,回憶跟畫面一樣快速流逝。在拍攝當下中你必須不斷確認沒有漏掉什麼,不然你會錯過很多。”

“攝影師一直在處理不斷消失的事物,一旦錯過某個瞬間,地球上沒有任何力量能讓同樣的瞬間再次發生。”

“攝影的精華對我來說就是發現生命中的韻律。就是不斷將所有視覺元素做完美的協調。”

“真實世界給我們的太多,多到我們需要適時的刪掉一些東西。問題在於我們是否刪掉正確的部分。”

“我們在攝影時必須保持儆醒。”

“我們必須避免隨性沒有想法的拍攝,避免讓我們自己沈浸在無意義的畫面中,那些只會是雜訊。”

“一名攝影師必須尊敬他的拍攝對象,並同時保持自己的觀點。”

“在攝影中最不起眼的事物也許就是最棒的主題。某個不起眼的細節有可能就是下一個精彩樂章。”

“對我來說最難的是拍攝人像。你必須要能看穿他們,「真正」的他們。”

“當你隨著時間流逝再回頭看你拍攝過的肖像時,那些面孔就像是迴音般不斷的在你腦海裡迴盪,那些正在消逝中的面孔。我認為攝影跟死亡有著緊密的關係。”

“至少我覺得攝影與視覺表現的概念是無法分開的。攝影只是種宣告自我的方式,而不是去證明自己的作品是原創的方式。攝影是種生活態度。”

“思考這件事應該發生在拍攝之前或拍攝後,而不是拍攝的當下。”

“攝影是及時地做出回應,而繪畫是冥想的過程。”

“媒體大量使用照片的景象讓攝影師們有了不一樣的責任。我們必須承認,的確有一條鴻溝存在於那些生活在某個年代,以及嘗試記錄那個年代的人之間。這狀況會影響我們所有人,特別是年輕一輩的攝影師。我們必須確保自己與真實社會及人文維持緊密的鏈結。”

“我相信透過生活,人們可以了解自己並同時了解周遭的世界。”

“你只要用心生活,生命自然就會給你畫面。”

“當然都是運氣。”

 

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